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jueves, 30 de junio de 2016

Plaza de Rubén Darío: ensanche y palacetes

Hoy nos queremos detener en la Plaza de Ruben Darío, que es una de las más bonitas y características del Ensanche madrileño, perteneciente al Barrio de Almagro del distrito de Chambery. En 1914 se llamaba la Glorieta del Cisne. En este año estamos de centenario del fallecimiento del gran escritor latinoamericano, que murió en febrero de 1916. Una elegante placa, colocada en la fachada del palacete de Miguel Maura, nos recuerda el nombre de esta plaza. 

Placa con la efigie de Rubén Darío que da nombre a la glorieta
(Foto SIEMA)

Esta plaza forma parte del llamado Ensanche de Madrid, construido a partir del Plan Castro. Por medio de él la ciudad pasó de tener 800 hectáreas a aumentar hasta 2.294. Es decir, que la superficie se llegó a multiplicar por tres. Ese urbanismo se basaba en una retícula ortogonal orientada de N a S y con calles de tres tamaños diferentes. Por tanto nos encontramos con grandes manzanas regulares, con muchos espacios abiertos o plazas donde los edificios de esquina se achaflanaban, como en esta plaza que nos ocupa. Como también se siguió una zonificación que preveía criterios sociales o económicos, alrededor de esta plaza se situaron edificios de la aristocracia o de una clase media-alta. Aunque el Plan Castro se aprobase en 1860, la urbanización de esta zona del Ensanche seguiría un proceso muy lento, que no acabaría hasta 1930. Sobre los campos y huertas de este área se construyeron edificios que seguían diferentes estilos arquitectónicos, muestra del eclecticismo que se daba a final del s XIX y principios del XX. Cuando se restauró la monarquía borbónica es cuando la alta burguesía y nobleza empiezan a preocuparse de construir sus mansiones en esta zona. El estilo clásico (Plateresco o Renacimiento) y Medievalista (Neogótico o Mudejar) es el más utilizado en Madrid. A estas dos tendencias artísticas responden los dos edificios en que nos vamos a centrar. 

Palacete de Miguel Maura (Foto SIEMA)

Chaflán del Palacete de Miguel Maura (Foto SIEMA)

Miguel Maura era hijo del famoso político de la Restauración, Antonio Maura. Igual que su padre, desde niño participaba en política. Perteneció al ala más republicana del gobierno de Alcalá Zamora, llegando a ser, incluso, ministro de Gobernación con el Gobierno Provisional. Pero dimitió de sus cargos al llegar Azaña. Hombre muy culto, con varios libros escritos, como "Así cayó Alfonso XIII" (publicado en 1966). Su palacete en esta plaza responde al estilo medievalista que se siguió en su construcción durante 1919. Recuerda a una fortaleza por el uso de sillares de piedra, el tipo de muros y remates (en el propio chaflán hay almenas) o contrafuertes de piedra.Transmite una sensación de solidez. Las maderas oscuras de los balcones y puertas contrastan con el blanco de los muros. Uno de los laterales presenta una puerta grande para paso de carruajes, pero la entrada principal está bajo el torreón de la derecha, en la propia plaza. Con arco de medio punto, conjugando piedra, ladrillo rojo y madera, y rematado por un mirador gótico. El último piso presenta una diferente altura en las ventanas y balcones, la barandilla corrida está decorada- en la parte superior- por columnas pareadas que recuerdan al Románico. Hoy en día es el instituto PONS. 

Palacio del Marqués de Ibarra (Foto SIEMA)

Este edificio del Marqués de Ibarra fue construido por Pedro Muguruza entre 1929 y 1931, justo unos años después de realizar su famoso Palacio de la Prensa en la Gran Vía. Muguruza se había licenciado en 1916 y trabajó en el estudio de Antonio Palacios, de quien percibimos en esta obra influencias: gusto por el Neoplateresco, las galerías de arcos, curvas en las fachadas, movimiento y mucha luz. Busca el estilo tradicionalista de la España Imperial, para dar más solemnidad al edificio. Por eso organiza el chaflán a base de arcos enmarcados por columnas clásicas y remate de ventana con frontón, estructura que se va repitiendo. Cambia el orden de sucesión de las columnas. Sobre los muros lisos de fondos rojizos destacan los adornos del zócalo, puertas y ventanas con ornamentación renacentista. Especialmente llamativo es el remate final del edificio, a base de un ático recto con escudo y frontón del tipo Austria en el centro. Luego con esa bonita galería de arcos de medio punto y la gran terraza ático lateral. En la parte de atrás de la vivienda también encontramos terrazas con vistas al florido jardín del Palacio Osma. Hoy en día son viendas y oficinas.

Detalle con la organización de las líneas sobre la puerta principal del edificio
(Foto SIEMA)

Lateral, terraza y retranqueo de la parte de atrás 
(Foto SIEMA)

La Plaza de Rubén Darío está al final de la calle de Almagro y al comienzo de la de Miguel Ángel. Justo en Almagro, en lo que son los bajos del palacete de los Garay, encontramos un negocio con encanto que no me gustaría dejar de comentaros. Se trata de Rangoon Store. Esta es una filial de la que tienen en Islas Filipinas. La tienda la fundaron en el 2009 y presenta colecciones de ropa y accesorios femeninos con mucho encanto y a muy buen precio. Además tienes la oportunidad de que te hagan un empaquetado personalizado. Os animo a conocerla. Pero ojo, los sábados cierran, ya que estamos en una zona de muchas oficinas en la que, por tanto, hay más vida a diario que durante el fin de semana. RANGOON está en c/ Almagro 44 y su telf es 913198451. Con estas imágenes de la tienda me despido. 

Maribel Piqueras
Vista general de Rangoon Almagro (Foto SIEMA)

Camisetas ( Foto SIEMA)

Bisutería (Foto SIEMA)

Tienen Café para hacer un alto en el camino
(Foto SIEMA)


lunes, 20 de junio de 2016

Los misterios del Bosco en Madrid

Querido lector, el Bosco siempre estuvo presente en las colecciones reales españolas y, siempre contamos con importantes obras suyas en Madrid. Pero a raíz de la exposición del V Centenario de su muerte, el Museo del Prado nos lo redescubre. Por eso os animamos a hacer con SIEMA Matritense-Madrid con Encanto  un recorrido por su personalidad y obras a través de la disposición en estas salas de la exposición.

EL BOSCO Y HERTOGENBOSCH

Hieronymus Van Aeken Bosch nació y murió en la ciudad holandesa de Hertogenbosch. El misterio que envuelve toda su vida afecta también a la fecha exacta de su nacimiento, que no conocemos. Se sitúa entre 1450-53. No así la fecha de su muerte, 1516 Ya que existe documentación acerca de su funeral, el 9 de agosto de 1516, en la Cofradía de Nra Señora de Hertogenbosch. Casi todo lo que sabemos del Bosco se lo debemos a los archivos de esa cofradía. Pertenece a una tercera generación de una familia de pintores, pero no heredó el taller de su padre, ya que no era el primogénito. El origen de su apellido, Van Aeken, indica la procedencia de Aquitania de sus antepasados. Realmente conocemos muy pocos datos sobre él. Consta que estuvo casado con Aleyt, de familia acomodada, pero no llegaron a tener hijos. También conocemos que, desde 1486, formaba parte de la Cofradía de Nra Señora de la iglesia de San Juan de Hertogenbosch y que pasó casi toda su vida en esta ciudad, salvo unos años que estuvo en Venecia.

Retrato del Bosco (aguafuerte de Cornelius Cort)

El retrato más fidedigno del Bosco es el grabado de Cornelius Cort con el que se abre la exposición. Nos muestra a un artista ya maduro, de unos 50 años, donde lo que más destaca son sus ojos: grandes, muy abiertos y como salidos de las órbitas. Hertogenbosch está situada en el sur de Holanda, cercana a la ciudad de Breda. Pertenecía entonces al gran ducado de Brabante, de ahí el nombre francés, Bois-le-Duc (bosque del Duque). Una ciudad muy rica, que vivía del comercio de telas y de la agricultura. Ambas cosas aparecen reflejadas en las obras del Bosco: conoce a la perfección los elementos de la naturaleza, disfruta con todo detalle al dibujar plantas, flores, frutas o  verduras. Sabe del trabajo del campesino y todo tipo de utensilios para trabajar en el campo. También conoce el Bosco los diferentes tintes para las telas, los tejidos a la perfección: tanto ropas populares o disfraces usados en diferentes festejos, como elegantes ropas de los nobles. Gusta enormemente de reflejar su ciudad en las obras: las murallas, la plaza del mercado (donde él mismo residía ) con la iglesia de San Juan y la torre del ayuntamiento. 

Artistas que trabajaron con él en Hertogenbosch nos sitúan en la época y la ciudad: como un "Ecce Homo" del taller del Bosco, que lo encargó otro hermano de la Cofradía (Peter Van Os), relieves del escultor Adriaen Van Wessel para decorar la iglesia de San Juan en 1475-77 o el precioso "Mercado de paños de Hertogenbossh".

INFANCIA Y VIDA PÚBLICA DE CRISTO

A diferencia de la mayoría de sus compañeros pintores contemporáneos, el Bosco apenas trata Natividades o Vírgenes con Niños. Pero, además del Nacimiento del Metropolitan, que es mucho más parecido al resto de nacimientos de la pintura holandesa, podemos contemplar el original "Tríptico de la Adoración de los Magos" que cuenta el Museo del Prado. Nuestro artista divide la escena en tres partes: la superior con el horizonte, los edificios y murallas de su ciudad de Hertogenbosch, las suaves colinas y paisaje. El del medio donde aparece una escena de batalla, como si quisiera hacernos ver que el nacimiento de Cristo no ha traído la paz al mundo. Y, por último, la escena principal. Una Virgen flamenca con el Niño en sus brazos, ante quien se postran los tres Reyes Magos de ricas vestiduras y símbolos  (Baltasar con el ave fenix, Gaspar con la esclavina de la reina de Saba y Salomón, Melchor detrás de la escultura del sacrificio de Isaac). Todos esos símbolos serían como antecedentes de la figura de Jesucrísto. Un Herodes cariturizado como lujurioso y rodeado de personajes horribles aparece asomando dentro de la choza. En la escena de la izquierda, un ausente San José, lavando y secando los pañales al fuego.

Tríptico de la Adoración de los Magos, el Bosco (Museo del Prado)

LOS SANTOS

En el mundo católico los santos tienen mucha importancia. Se les da un tipo de culto diferente al dado a Dios o la Virgen, son protectores e intercesores de los hombres ante Dios. La iconografía más representada por el Bosco es San Juan, advocación de la iglesia y, después catedral, de Hertogenbosch y también el nombre de su propio abuelo. San Antonio, como su padre, santo eremita que estuvo sometido en vida a fuertes tentaciones del demonio. Otro santo que vivió solitario en el desierto, gran defensor de la austeridad, como S. Juan Bautista. San Cristobal, o el caminante por el camino de la vida, sorteando todo tipo de dificultades. O la rara Santa Wilgefortis, que algunos piensan que sea sólo una leyenda y no existiese en la realidad: esa santa martirizada en la cruz, que pidió al cielo tener barba para así estar lejos de su marido con el que le obligaron a casarse. Llama la atención la finura y delicadeza del rostro de San Juan en Patmos, la composición triangular, los fondos difuminados y su gran colorido.

Meditaciones de San Juan Bautista (Museo Lázaro Galdiano)

Tentaciones de San Antonio (Museo del Prado)

San Juan en Patmos (Berlín, Staatliche Museen)

DEL PARAÍSO AL INFIERNO

Para ser un pintor de transición al Renacimiento, el Bosco se nos muestra, en muchos aspectos como un pintor medievalista, sobre todo en la temática recurrente del pecado y el juicio final. En el mundo del Románico si se representaban mucho estos temas, con todo el bestiario que acompañaba a este tipo de escenas. Pero en el gótico, sobre todo en los siglos  XIV y XV se prefería recurrir a la figura de Jesús como salvador,  tanto en Natividades o Vírgenes con Niño, como el la cruz. Eso es lo que hacían sus contemporáneos. Uno de los grandes misterios del Bosco es por qué recurre a esta iconografía ya pasada de moda, por qué se muestra tan pesimista e insistente en el pecado y el mal en el hombre. Se han dado muchas respuestas: el hecho de vivir en el cambio de siglo y participar de cierto milenarismo; también la extensión por Holanda y ciertas regiones centroeuropeas de una mentalidad preprotestante sobre la fe, en la que el hombre estaría corrompido por naturaleza y las obras de los hombres no servirían para nada, sino que sólo la fe bastaría para salvarse. Es verdad que la situación de parte de la iglesia católica y algunas costumbres escandalizaban al pueblo. Y, mientras que en algunos países, como España, se buscaba reformar esa iglesia desde dentro, en otros, como los estados alemanes, GB u Holanda, preferían reformarla rompiendo con ella. Por tanto al Bosco, en relación con estos temas, hay que contemplarlo dentro del contexto histórico y espiritual de la época en que se mueve, de esa búsqueda generalizada de una vida más ascética y austera. Otros piensan que con estos temas escabrosos trataría de ilustrar los llamados "exempla contraria" o ejemplos a evitar.

Aquí se enmarcaría el famoso "Carro del Heno", del cual existen dos versiones . La de mayor calidad es la del Museo del Prado y luego existe otra en el Escorial, que parece ser una copia. Esta obra es fácil de interpretar. Sigue el proverbio flamenco de que la vida es como un carro de heno del cual cada uno va cogiendo lo que puede. La presentación de las escenas en el tríptico es muy original, ya que en vez de situar en la tabla central el Juicio Final y, en la laterales, el Paraíso y el Infierno, coloca en la central este carro de heno de gran tamaño. Por la izquierda se acercan al carro, a caballo y a pié los poderosos de la tierra: nobles, reyes, el Papa, el Emperador. Debajo del carro y delante aparece todo tipo de gente, peleándose por coger algo de heno. Encima del carro dos enamorados con símbolos de la lujuría y un ángel desesperado. En la parte de abajo una dama a la que la están robando, un médico, un fraile mandando a monjas recoger heno. Muy importante en el Bosco son también los reversos de los trípticos, en grisalla. En este caso el Bosco pintó el camino de la vida, tema que también repite mucho.

 Visiones del Más Allá (Venecia, galleria dell´Academia)

En cuanto a las interesantes "Visiones del Más Allá", que se encontraron en 1521 en las posesiones del cardenal veneciano Domenico Grimani, no sabemos cuál pudo ser la estructura original del retablo. Percibimos los intensos colores venecianos, sobre todo en la escena del Paraíso. En la del Infierno nos recuerda al Dante de la Divina Comedia. Ahora la técnica no es tan minuciosa, mete menos personajes y pintados a modo más general. La más llamativa es la es la llamada Ascensión al Empíreo, donde los ángeles de la guarda llevan a las almas a la visión de Dios. Van como por un tunel, de dónde sale la luz. Difumina los contornos de los que van por el tunel, debido a la intensidad de la luz. Es muy original. A lo mejor el mismo pasó por esa experiencia o alguien muy enfermo se lo contaría después de recuperarse. Lo que todos hemos oído de que sienten las personas a punto de morir y que luego se recuperan, eso de que hay una luz al final de un tunel. 

EL JARDÍN DE LAS DELICIAS

Este gran tríptico es el que más público atráe y el que más diferentes interpretaciones sugiere. Encargado por Elgelbert II de Nassau. Pasaría después por diferentes manos, como Enrique de Nassau, Guillermo de Orange. A este último se lo confiscó en 1568 el prior de la orden de San Juan, Fernando de Toledo. Cuando falleció, en 1591, el rey Felipe II, lo adquirió en su almoneda y lo llevó a El Escorial. En esta residencia ya disponía Felipe II de otras obras de El Bosco. En cada una de las tablas hay cuatro niveles de altura y, también niveles de interconexión. Las tablas del Paraíso y del Jardín son muy parecidas en colores y disposición. El Paraíso, según el Bosco, no es todo amor y ausencia de mal, sino que el demonio está ya ampliamente presente en forma de roca antropormorfa ( marcando los ojos y boca ) que Dalí imitaría. Dios, con forma de Jesucristo crea a Adan y Eva y nos está mirando fijamente. En la parte superior de ambos personajes unos animales, que simbolizan los elementos masculinos, a la izquierda, y las características femeninas, a la derecha. 

Parte superior de la tabla central del Jardín de las Delicias

Detalle de la tabla de la izquierda, el Paraíso, con la roca antropomorfa que Dalí imitaría en el Gran Masturbador y los animales simbolizando al hombre y la mujer (foto abc.es)

En la escena del Paraíso la estructura que aparece en el agua puede recordar a alguna aguja de catedral, o también a instrumentos de la alquimia. La parte superior de la tabla central o Jardín de las Delicias aparecen cinco estructuras arquitectónicas de carácter surrealista. La esfera central, que puede simbolizar el mundo, está fracturada, dando a entender la enorme fragilidad humana. La fuente de la vida es otro símbolo alquimista. En el centro del lienzo aparece un estanque con mujeres de todo tipo de razas y, alrededor de ellas, cabalgan solamente hombres, en grupos, sobre animales que simbolizan los pecados capitales. Está todo el lienzo lleno de elementos sexuales: agujeros de la vagina, el movimiento de cabalgar. Las frutas que pintó el Bosco también están cargadas de elementos eróticos y afrodisíacos (cereza, madroño, fresas, moras). Las frutas y animales representados son de enorme tamaño. Como la imaginación del Bosco es tan maravillosa, a menudo el espectador no se fija en su cuidado dibujo, en la técnica, ni en el colorido o la composición. El Bosco era un hombre muy culto, gran lector (conocía la literatura religiosa y profana de su época, de la que da muchas citas y referencias). También conocedor de las miniaturas y grabados más famosos de su tiempo. Yo destacaría la manzana con la pareja y una pierna de un tercer personaje que aparece, símbolo del adulterio; o la torre de coral llena de chicos jóvenes, donde se simboliza la homosexualidad; también en la esquina inferior derecha de la tabla central aparece Adán mirándonos y señalando a Eva como culpable de todo. 

Detalle: la manzana flotante (Foto abc.es)

Detalle (abc.es)

Los cuerpos son blanquecinos, y parecen seguir todos el mismo modelo, no están individualizados. Imaginación desbordante, movimiento y colorido. La escena del infierno a la derecha produce verdadero pavor. No caben las almas, por eso los demonios siempre están construyendo torres. El hombre árbol parece ser un autoretrato, hueco por dentro, con los pies apoyados en barcas, pasa por diferentes colores del negro al gris,  terminando en rojo como el mercurio, tan usado por los alquimistas. Así como el agua, el azufre o los tubos, siempre presentes en el Bosco, son también elementos alquimistas. Las almas sufren castigos debidos a sus pecados: por el juego, la lujuria, la gula( el cerdo de abajo), la avaricia ( el curioso monstruo sentado en la letrina que se traga hombres, algunos de ellos echan a un agujero sus excrementos en forma de monedas)

EL MUNDO Y EL HOMBRE: PECADOS CAPITALES Y OBRAS PROFANAS.

La Tabla de los pecados capitales es una de las primeras obras que adquirió Felipe II y ya está documentada su presencia en el Escorial en 1574. El Bosco expresa con citas bíblicas su pintura: en el centro Cristo que resucita del sepulcro y letras en latín que significa "cuidado, cuidado, Dios todo lo ve". En torno a esa figura escenas que representan con todo lujo de detalles los siete pecados capitales. Incluso con guiños a proverbios holandeses, como el de "dos perros con un hueso nunca llegan a entenderse", al pintar dos perros peleándose por un hueso en una de las escenas. Cierran la escena cuatro tondos que representan las postrimerías.

Tabla de los pecados capitales (Museo del Prado)

La nave de los necios (Louvre)

Muy interesante la oportunidad de poder contemplar en esta exposición escenas del tríptico incompleto del Camino de la Vida, como el Vendedor Ambulante (Rotterdam), la Muerte y el Ávaro (Washington), la Nave de los Necios (Louvre)  o la Alegoría de la intemperancia (New Haven). Esta Nave de los Necios, pintada en la última década del s XV, se la relaciona con un poema satírico, titulado igual, y compuesto en 1494 en Estrasburgo por Sebastián Brandt, pero la imaginación del Bosco consigue superar la fuente literaria en al que se basó. 

LA PASIÓN DE CRISTO

Aunque en muchas grisallas de los reversos de las obras anteriores están representadas escenas de la Pasión, será sobre todo al final de su vida, cuando se centre en esta temática. Ya la composición es totalmente renacentista: pocas figuras y de carácter monumental en la mayoría de las obras. Como los Caminos al Calvario de el Escorial o de Viena, la Coronación de espinas de la National Gallery de Londres o el Tríptico de la Pasión de Valencia. 

Coronación de espinas (National Gallery de Londres)

En esta Coronación de Londres un Cristo de facciones dulces nos interpela con la mirada. Le corona el personaje de la izquierda, con el sombrero atravesado por la fecha (representa la autoridad civil). Tiene un guante metálico para no hacerse daño y la corona de espinas aparece colocada como una aureola de santidad. El otro personaje es el poder militar, abajo el pueblo ( representando la ira que agarra a Jesús por el pecho). Y debajo, a la izquierda, la autoridad religiosa, los rabinos, con el rollo de la ley en la mano. 

Ecce Homo de Frankfort

En el Ecce Homo que viene de Frankfurt, cuya copia se expone al inicio de la muestra y, al final, esta otra original, nos muestra a Cristo desnudo, con la soga al cuello, la corona de espinas y la túnica, tirado por Pilatos, que lo enseña al pueblo con esas palabras: "Ecce Homo" (ahí tenéis al hombre). Junto a Jesús, aparecen de nuevo las autoridades civiles, religiosas y militares. Abajo el pueblo lleno de ira con gestos muy expresivos y las figuras desdibujadas de los donantes. Al fondo escenas de la ciudad del Bosco, Hertogenbosch, con la plaza del mercado o la iglesia de San Juan.

Con esta información os animo a conocer las obras in situ e ir con paciencia a contemplarlas, por la cantidad de detalles que tienen. Todavía hoy es un pintor que se nos muestra abierto a múltiples sugerencias e interpretaciones. Si quieres que te guiemos, no tienes más que contactar con nosotros en info@siema.es, aunque ya quedan pocos turnos por cubrir.

Hasta pronto:

Maribel Piqueras





jueves, 9 de junio de 2016

Casa-Museo Livia Zavagli en Aravaca

Uno de nuestros grandes descubrimientos en el 2016 fué la casa-museo de Livia Zavagli en Aravaca. Os contaré un poco de esta artista y nos adentraremos en su mundo. Livia Zavagli Ancilotti nació en Roma, pero reside en España desde 1966.  Estudió Ingeniería Técnica y, descubriendo su gran pasión por el arte, amplió con cursos de pintura acrílica, porcelana o pintura en cristal. Su obra está dotada de una gran originalidad. Es el arte primitivo italiano, el arte del Renacimiento Italiano o el Art Decó los que le proporcionan los motivos principales de sus creaciones. Sobre unas bases de buen dibujo, muy preciso, como de miniatura, va preparando el soporte con estucos, pan de oro o pintura. Sobre esos materiales realiza unos auténticos mosaicos, que sólo una italiana como ella sabe realizar a la perfección, incorporando una variedad de pedrería preciosa, diferentes abalorios o plumas. 

"Virgen de Tadeo de Bartolo". Con perlas, rubies, malaquitas, piedras del sol
(Foto SIEMA)

"Virgen rusa" ( Foto SIEMA)

En todas sus obras refleja, no sólo su gran creatividad y conocimiento del mundo artístico, sino también la investigación de texturas y materiales que le proporcionó esa formación como ingeniera. En las fotos no se aprecia el gran trabajo que lleva cada obra. Tiene que trabajar con mucha paciencia, con lupa para ver bien los diminutos abalorios. Por eso suelen ser obras de pequeño tamaño. En su taller dispone de abundante luz natural y  un armario donde están muy bien ordenados los diferentes materiales: por composición y tamaño. Da gusto ver las perlitas, rubíes, malaquitas, u otras piedras preciosas y corales que ella misma recoge en sus viajes por alguna isla.

Botecitos con materiales en su taller 
(Foto SIEMA)

Algunos corales (Foto SIEMA)

Más abalorios ordenados
(Foto SIEMA)

Última obra en la que está trabajando
(Foto SIEMA)

Se pueden recorrer diferentes estancias donde aparecen divididos por temas las obras. Primero pintura religiosas, ángeles, Art Deco y Por Art o cartelería publicitaria. Vírgenes y Nacimientos de pintores primitivos italianos, del Renacimiento y de escuela española (sobre todo valenciana). A modo de ejemplo de esa temática van las siguientes imágenes:
Adoración de los Reyes, de Escuela Valenciana del s XV
(Foto SIEMA)

Virgen con el Niño de Leonardo Da Vinci, con lapisdázulis y turquesas para ese toque azul
(Foto SIEMA)

Virgen del Perpetuo Socorro 
(Foto SIEMA)

Virgen de Guadalupe (Foto SIEMA)

La temática de los ángeles también está muy trabajada y es muy solicitada por el público en las diferentes exposiciones que ha realizado la artista. Una muestra de esas exposiciones sería: 
- Sudent Art Gallery de la Cornell University en Nueva York (1968)
- Pintua Naif sobre cristal en Spanske Kultur Institut, Copenhague (Dinamarca en 1977)
- Galería Leonardo en Viterbo, Italia (1984)
- Cuadros de pintura acrílica y oleo en el Hotel Gran Vía (1990)
- El abalorio hecho arte . Caja España. León (2008)
- El abalorio hecho arte. Caja España. Palencia (2009)
- El abalorio hecho arte. Ilustre Colegio de Abogados de Valencia (2010)
- El abalorio hecho arte. Madrid (2011)

Con esa muestra se percibe como Livia ha pasado por todas las técnicas como pintora, especializándose en estos pequeños cuadros, que son mosaicos de abalorios. 

Ángel, obsérvese como resalta sobre el fondo de estuco
(Foto SIEMA)

Ángel de la Guarda (Foto SIEMA)

El Art Decó también le apasiona y sus obras están incluídas en la página web de www.mariapestanaartgallery.com. Ejemplos de ese arte son los siguientes:

Papel de Fumar (Foto SIEMA)

Señora años 20 con perrito (Foto SIEMA)

Portada de la revista Blanco y Negro
(Foto SIEMA)

No dejó de lado los llamativos carteles publicitarios: bebidas alcohólicas, chocolates, cosas de bebes, etc..
Anis el Mono (Foto SIEMA)

Campari (Foto SIEMA)

Suchard (Foto SIEMA)

Livia ha sabido crear un ambiente muy acogedor en su casa, rodeada del amplio jardín, que ella misma ha diseñado y cuida. La naturaleza está presente en toda la casa: rincones de flores, despensa natural con materiales rústicos para cuidado de frutas y verduras. Y del arte todo lo que mencionemos aquí se queda corto. Livia Zavagli es única en su categoría y siempre está innovando e ideando proyectos novedosos. Agradezco desde aquí a la artista su simpatía y la disponibilidad que siempre ha tenido con nostros. Para saber más contactar con Madrid con Encanto o Proyecto SIEMA ( este último en facebook ). Después del verano tenemos programadas visitas. Espero que os guste tanto como a mi. Con estas últimas imágenes de su casa y jardín me despido.

Maribel Piqueras

Jardín interior (Foto SIEMA)

Jardin anterior (Foto SIEMA)

Almacén para fruta y verdura diseñado por Livia Zavagli
(Foto SIEMA)

Rincón del salón (Foto SIEMA)